DEFINICON DEL PROBLEMA.
¿Qué?
El problema a tratar será una investigación de fotografía, grabado y museografía la cual abarcara una propuesta de cómo deben interactuar los espectadores con la obra.
¿Cómo?
PRACTICO.
Se realizan grabados y fotografía en distintos formatos y materiales. En grabado se están utilizando materiales como el metal, madera y acrílico, con la finalidad de que el material se integre con la propuesta en dibujo; y con lo que respecta a fotografía se están llevando a cabo trabajos en papel de algodón con distintas emulsiones debido a que estos procesos no son de gran conocimiento al publico.
TEORICO.
Se realiza una investigación acerca de los procesos sus pros y contra , acerca del material en el que se llevan a cabo, para consolidar los argumentos del por que me refiero a estos en especifico.
¿Dónde y cuando?
Se delimitara el tema en un tiempo y espacio referente al (movimiento Dada)como marco se utilizaran las fechas de 1915 y 1922 donde se realizara una investigación de Duchamp y Tzara para respaldar el concepto de museo que estoy manejando a partir d e entonces.
¿Cómo?
Duchamp y Tzara nos brindaran la información para darle una continuidad al trabajo y el inicio será a partir de las fechas de 1915 y 1922 , además de incluir al final información adicional del grabado y la fotografía que complementen en una cuestión de investigación del material, (buscar alguna relación entre la época y las cuestiones que manejaban y a lo que se enfrentan estos materiales)
¿Para que ?
La propuesta va enfocada a una investigación de los materiales de la fotografía y el grabado, además de su contenido visual a crear una museografía, que reuna al espectador con la obra de arte.
Esto tendrá el objeto de que el espectador interactue y comprenda de forma completa la obra expuesta, sin permitir que la museografía opaque a la misma; ya que esta será solo el medio de comunicación entre el y la misma.
La museografía se encontrara respaldada por elementos actuales, retomados de ejemplos que ya se han expuesto en la actualidad y serán de gran ayuda para reforzar la idea.
¿Por qué?
Con respecto a lo que se ha dicho del tema en la actualidad, varios autores mencionado que con la aparición del arte objeto o instalación, los museos se han visto limitados con respecto a su interaccion, ya que ahogan su vista ante el publico.
ORIGEN O IMPORTANCIA
El tema de la museografia se encuentra abandonado en el sentido de que el arte actual ya no se ajusta a las necesidades del mismo, así que es conveniente realizar una investigación que fundamente las causas por las cuales es necesario reordenar elementos tan básicos como el del espacio, y la atmosfera donde se exponen las obras.
Además de que se a olvidado el hecho de que estos espacios están creados para la comprensión de la misma y ya han perdido esta función , ya sea por la pieza que se expone o por que no encuentra el modo de lograr esta unión.
lunes, 29 de septiembre de 2008
martes, 23 de septiembre de 2008
UN ARTE MUY NORTEAMERICANO
Con respecto a esta exposicion no tengo mucho que decir, sus argumentos me parecieron bastante absurdos, ya que me parecen nada origanales, en particular por que pretenden rescatar su cultura y lo unico que muestran son pasajes de sus calles, tan tristes e industrializadas.
A mi punto de vista lo unico rescatable es aquella propuesta donde un artista maneja custiones de persepcion y crea empalmes, sin embargo no me atrapo lo suficiente como para recordar su nombre.
En conclusion no la recomiendo.
A mi punto de vista lo unico rescatable es aquella propuesta donde un artista maneja custiones de persepcion y crea empalmes, sin embargo no me atrapo lo suficiente como para recordar su nombre.
En conclusion no la recomiendo.
INFLUENCIAS
JAN SAUDEK
VIDA Y OBRA DE JEAN SAUDEK
Nació en Praga, en 1935, ciudad en la que vive actualmente. La obra de Jean Saudek está marcada sin duda por su perturbadora infancia. Estudió en la Escuela de Fotografía Industrial de Praga, entre 1950 y 1952, y seguidamente ejerció numerosos y varipintos oficios. Empezó a hacer fotos en su época de estudiante, y a pesar de la incipiente singularidad de su mirada se dedicó a un tipo de fotografía que pretendía reflejar la realidad cotidiana. Sus primeros trabajos personales fueron inicialmente fotografías en blanco y negro, donde comenzaba a adivinarse el estilo que lo haría famoso; cuerpos desnudos, un erotismo descarnado y en ocasiones obsceno, y un afán por hacer que sus instantáneas sugirieran historias al observarlas, que evocaran continuidad más allá de lo que reflejaba la imágen estática.
A partir de cierto momento se dedicó a colorear sus fotografías. Hizo hincapié en las texturas y en el ambiente de los decorados que rodeaban a los personajes de sus fotos. Había algo turbador en muchas de sus obras, un efecto ruinoso que las envolvía de una violencia y una expresividad incomparables. No hay que olvidar que vivía en un país comunista, y quizá lo opresivo de su propia vida le empujó a idear escenarios cerrados, un constante huis clos que ahogaba a sus actores. Sus temas se repitieron a lo largo de las décadas siguientes: fotografías sobre la sexualidad y la relación hombre-mujer, sobre las mujeres y su comportamiento erótico-afectivo, la edad madura y la juventud que se entrelazaban en sus escenas de un modo evidente, lleno de simbolismo, y sus originales desnudos. Fue fotógrafo del cuerpo femenino. Retrató con una belleza inusitada, a pesar de lo siniestro de algunas de sus escenas, la desnudez femenina, sin importarle la perfección de sus formas.
A partir de cierto momento se inclinó por una fotografías de varios personajes, con antagonismos manifiestos con los que pretendió dotar de mayor fuerza a sus imágenes. Intercaló sin pudor fotografías toscas, en ocasiones hasta de una sexualidad vulgar, primitiva, empeñado en llevar hasta el extremo su tendencia a provocar, así como escenas humorísticas en las que aparecía como un actor más.
Destacan también sus obras dobles, en las que fotografíaba escenas de mujeres vestidas y luego desnudas, y las series de personajes fijados en distintas épocas de sus vida.
Su lenguaje directo y lleno de sensualidad fue una de las razones de que se convirtiera en uno de los primeros fotógrafos checos en ser conocido en occidente, lo que le provocó percances con las autoridades comunistas de su país durante años. Lo que es indiscutible es la originalidad de su propuesta, su afán por retratar de un modo distinto, la extrema radicalidad de sus planteamientos que le concedieron con una rapidez inusitada un lugar privilegiado en la fotografía del siglo XX.
Su lenguaje directo y lleno de sensualidad fue una de las razones de que se convirtiera en uno de los primeros fotógrafos checos en ser conocido en occidente, lo que le provocó percances con las autoridades comunistas de su país durante años. Lo que es indiscutible es la originalidad de su propuesta, su afán por retratar de un modo distinto, la extrema radicalidad de sus planteamientos que le concedieron con una rapidez inusitada un lugar privilegiado en la fotografía del siglo XX.
MARCEL DUCHAMP
Ready-Made
Un ready-made es un objeto sacado de su contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte, construido para forzar al espectador a pensar.
Marcel Duchamp hizo su primer ready-made en 1913, “La rueda de bicicleta”, que consistía en un banquito de cocina y sobre él una rueda de bicicleta invertida, apoyada sobre su base de metal. En un principio, Duchamp no pretendía mostrar estas obras al público. Años después cambiaría de opinión. Él mismo escribió una pequeña explicación para la mejor comprensión de los ready-mades.
“… Tan temprano como 1913, Duchamp tuvo la feliz idea de sujetar una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y verla girar. Unos meses después, compró una reproducción barata de un paisaje nocturno invernal, que llamó “Farmacia”, luego de agregarle dos puntos de colores (uno amarillo y otro rojo) en el horizonte.
En Nueva York, en 1915, Duchamp compró en una ferretería una pala para nieve, en la que escribió “In advance of the broken arm” (en avance del brazo quebrado). Fue alrededor de esa época cuando le vino a la mente el nombre ready-made para designar este tipo de obras.
Duchamp siempre quiso dejar en claro que la elección de estas obras nunca fue dictada por deleite estético. La elección estaba basada en una reacción de indiferencia visual con una total ausencia de buen o mal gusto. De hecho, una completa anestesia.
Una característica importante de los ready-made fue la pequeña frase inscrita ocasionalmente en cada obra. La oración en vez de describir el objeto como un título pretendía llevar la mente del espectador hacia otras regiones, más verbales. A veces añadiría un detalle gráfico de presentación que, para satisfacer su intenso deseo de aliteración (repetición de una cierta letra), sería llamado ready-made-aided (“ya-hecho-ayudado”).
En otro tiempo, Duchamp, queriendo exponer la antimonía básica entre arte y ready-mades, imaginó un ready-made recíproco: usar un Rembrandt como una tabla de planchado.
Pronto se dio cuenta del peligro de repetir indiscriminadamente esta forma de expresión y decidió limitar la producción de ready-mades a un pequeño número anual. Estaba consciente que para el espectador, aun más que para el artista, el arte es una droga formadora de hábitos y quiso proteger sus ready-mades contra semejante contaminación.
Otro aspecto del ready-made es su falta de singularidad… la réplica de un ready-made entregando el mismo mensaje, de hecho casi todos los ready-mades existentes hoy no son un original en el sentido convencional.
Duchamp hace un comentario final a este círculo vicioso: Ya que los tubos de pintura usados por un artista son manufacturados, productos ready-made, debemos concluir que todas las pinturas en el mundo con ready-made-aided…” (6)
Marcel Duchamp creó varios ready-made, de los que actualmente sólo existen alrededor de una veintena. Éstos son una colección de objetos distintos, pero unidos por las mismas ideas. Los ready-made eran elementos creados para provocar, productos de un esfuerzo consciente para quebrar con cualquier tradición artística, para crear un nuevo estilo de arte: uno que atraiga a la mente y no a la vista, que estimule al espectador a participar y pensar.
Duchamp pensó: para romper con todos los valores tradicionales del arte, debemos empezar por lo elemental. Así, debemos deshacernos de los dos principios más básicos del arte: la belleza y la artesanía. Los ready-mades al fin respondían a su pregunta ¿Puede hacer uno obras de arte que no sean arte?.
La técnica consistía básicamente en sustituir la manualidad del artista durante el proceso de hacer arte. Así, en vez de un ver objeto creado por el artista, veríamos uno ya fabricado. También habría de sustituir la irracionalidad y el proceso aleatorio por un diseño consciente. Ya no importa el genio del artista, sino su don.
Los ready-made incluían distintos tipos de trabajos que pasaban por objetos prefabricados, ensamblajes, imágenes alteradas e instalaciones. Generalmente los objetos eran comprados y dispuestos en la obra sin ningún mayor arreglo. Duchamp disfrutaba escribir pequeñas frases en sus trabajos que confundieran la lógica del espectador y lo invitaran a imaginar. Otros ready-made invitan a participar en él (en “La rueda de bicicleta” se podía dar vueltas a la rueda, la que sería la primera escultura cinética). Para Duchamp es evidente la interacción que debe existir entre artista y espectador. Este es el pleno domino del ready-made.
Hay tres tipos de "ready- made":
- Puro, donde el artista toma un objeto y lo deja como está, por ejemplo el "Portabotellas” (1914).
- Rectificado, en el cual se hacen varias operaciones sobre un objeto, como en el caso de "La Fuente"(1917), en la cual se puede observar que su autor tomó un urinario, lo giró, le puso título y lo firmó.
- Asistido, como "Un ruido secreto"(1916), en el cual un objeto toma sentido cuando es asistido por otra persona que no es el artista.(7)
La aparición de los ready-made cuestiona seriamente la historia del arte y su autonomía, ya que ingresan a los museos objetos de la vida cotidiana.
Otra característica de los ready-made es su falta de forma (amorfia). Todo lo que se puede decir respecto a él es indiferente a su forma, ya que subyace en el propio objeto. La obra de arte misma niega al objeto, anula su función.
Duchamp quiso elevar a la dignidad de arte a objetos simples y cotidianos, como prueba de que el arte era, sobre todo, una actitud mental que residía en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una sala de exposiciones, se apreciaban las calidades estéticas y no las utilitarias que normalmente sugerían.(8)
En 1917, cuando su ready-made “La Fuente” es rechazado por el jurado de la Sociedad de Artistas Independientes, Duchamp defendió a R. Mutt argumentando que si él lo había hecho o no no importa ya que el artista eligió al objeto para convertirlo en arte. Sin duda alguna sería este objeto el que cambiaría, a largo plazo, la manera de percibir el arte.
VIDA Y OBRA DE JEAN SAUDEK
Nació en Praga, en 1935, ciudad en la que vive actualmente. La obra de Jean Saudek está marcada sin duda por su perturbadora infancia. Estudió en la Escuela de Fotografía Industrial de Praga, entre 1950 y 1952, y seguidamente ejerció numerosos y varipintos oficios. Empezó a hacer fotos en su época de estudiante, y a pesar de la incipiente singularidad de su mirada se dedicó a un tipo de fotografía que pretendía reflejar la realidad cotidiana. Sus primeros trabajos personales fueron inicialmente fotografías en blanco y negro, donde comenzaba a adivinarse el estilo que lo haría famoso; cuerpos desnudos, un erotismo descarnado y en ocasiones obsceno, y un afán por hacer que sus instantáneas sugirieran historias al observarlas, que evocaran continuidad más allá de lo que reflejaba la imágen estática.
A partir de cierto momento se dedicó a colorear sus fotografías. Hizo hincapié en las texturas y en el ambiente de los decorados que rodeaban a los personajes de sus fotos. Había algo turbador en muchas de sus obras, un efecto ruinoso que las envolvía de una violencia y una expresividad incomparables. No hay que olvidar que vivía en un país comunista, y quizá lo opresivo de su propia vida le empujó a idear escenarios cerrados, un constante huis clos que ahogaba a sus actores. Sus temas se repitieron a lo largo de las décadas siguientes: fotografías sobre la sexualidad y la relación hombre-mujer, sobre las mujeres y su comportamiento erótico-afectivo, la edad madura y la juventud que se entrelazaban en sus escenas de un modo evidente, lleno de simbolismo, y sus originales desnudos. Fue fotógrafo del cuerpo femenino. Retrató con una belleza inusitada, a pesar de lo siniestro de algunas de sus escenas, la desnudez femenina, sin importarle la perfección de sus formas.
A partir de cierto momento se inclinó por una fotografías de varios personajes, con antagonismos manifiestos con los que pretendió dotar de mayor fuerza a sus imágenes. Intercaló sin pudor fotografías toscas, en ocasiones hasta de una sexualidad vulgar, primitiva, empeñado en llevar hasta el extremo su tendencia a provocar, así como escenas humorísticas en las que aparecía como un actor más.
Destacan también sus obras dobles, en las que fotografíaba escenas de mujeres vestidas y luego desnudas, y las series de personajes fijados en distintas épocas de sus vida.
Su lenguaje directo y lleno de sensualidad fue una de las razones de que se convirtiera en uno de los primeros fotógrafos checos en ser conocido en occidente, lo que le provocó percances con las autoridades comunistas de su país durante años. Lo que es indiscutible es la originalidad de su propuesta, su afán por retratar de un modo distinto, la extrema radicalidad de sus planteamientos que le concedieron con una rapidez inusitada un lugar privilegiado en la fotografía del siglo XX.
Su lenguaje directo y lleno de sensualidad fue una de las razones de que se convirtiera en uno de los primeros fotógrafos checos en ser conocido en occidente, lo que le provocó percances con las autoridades comunistas de su país durante años. Lo que es indiscutible es la originalidad de su propuesta, su afán por retratar de un modo distinto, la extrema radicalidad de sus planteamientos que le concedieron con una rapidez inusitada un lugar privilegiado en la fotografía del siglo XX.
MARCEL DUCHAMP
Ready-Made
Un ready-made es un objeto sacado de su contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte, construido para forzar al espectador a pensar.
Marcel Duchamp hizo su primer ready-made en 1913, “La rueda de bicicleta”, que consistía en un banquito de cocina y sobre él una rueda de bicicleta invertida, apoyada sobre su base de metal. En un principio, Duchamp no pretendía mostrar estas obras al público. Años después cambiaría de opinión. Él mismo escribió una pequeña explicación para la mejor comprensión de los ready-mades.
“… Tan temprano como 1913, Duchamp tuvo la feliz idea de sujetar una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y verla girar. Unos meses después, compró una reproducción barata de un paisaje nocturno invernal, que llamó “Farmacia”, luego de agregarle dos puntos de colores (uno amarillo y otro rojo) en el horizonte.
En Nueva York, en 1915, Duchamp compró en una ferretería una pala para nieve, en la que escribió “In advance of the broken arm” (en avance del brazo quebrado). Fue alrededor de esa época cuando le vino a la mente el nombre ready-made para designar este tipo de obras.
Duchamp siempre quiso dejar en claro que la elección de estas obras nunca fue dictada por deleite estético. La elección estaba basada en una reacción de indiferencia visual con una total ausencia de buen o mal gusto. De hecho, una completa anestesia.
Una característica importante de los ready-made fue la pequeña frase inscrita ocasionalmente en cada obra. La oración en vez de describir el objeto como un título pretendía llevar la mente del espectador hacia otras regiones, más verbales. A veces añadiría un detalle gráfico de presentación que, para satisfacer su intenso deseo de aliteración (repetición de una cierta letra), sería llamado ready-made-aided (“ya-hecho-ayudado”).
En otro tiempo, Duchamp, queriendo exponer la antimonía básica entre arte y ready-mades, imaginó un ready-made recíproco: usar un Rembrandt como una tabla de planchado.
Pronto se dio cuenta del peligro de repetir indiscriminadamente esta forma de expresión y decidió limitar la producción de ready-mades a un pequeño número anual. Estaba consciente que para el espectador, aun más que para el artista, el arte es una droga formadora de hábitos y quiso proteger sus ready-mades contra semejante contaminación.
Otro aspecto del ready-made es su falta de singularidad… la réplica de un ready-made entregando el mismo mensaje, de hecho casi todos los ready-mades existentes hoy no son un original en el sentido convencional.
Duchamp hace un comentario final a este círculo vicioso: Ya que los tubos de pintura usados por un artista son manufacturados, productos ready-made, debemos concluir que todas las pinturas en el mundo con ready-made-aided…” (6)
Marcel Duchamp creó varios ready-made, de los que actualmente sólo existen alrededor de una veintena. Éstos son una colección de objetos distintos, pero unidos por las mismas ideas. Los ready-made eran elementos creados para provocar, productos de un esfuerzo consciente para quebrar con cualquier tradición artística, para crear un nuevo estilo de arte: uno que atraiga a la mente y no a la vista, que estimule al espectador a participar y pensar.
Duchamp pensó: para romper con todos los valores tradicionales del arte, debemos empezar por lo elemental. Así, debemos deshacernos de los dos principios más básicos del arte: la belleza y la artesanía. Los ready-mades al fin respondían a su pregunta ¿Puede hacer uno obras de arte que no sean arte?.
La técnica consistía básicamente en sustituir la manualidad del artista durante el proceso de hacer arte. Así, en vez de un ver objeto creado por el artista, veríamos uno ya fabricado. También habría de sustituir la irracionalidad y el proceso aleatorio por un diseño consciente. Ya no importa el genio del artista, sino su don.
Los ready-made incluían distintos tipos de trabajos que pasaban por objetos prefabricados, ensamblajes, imágenes alteradas e instalaciones. Generalmente los objetos eran comprados y dispuestos en la obra sin ningún mayor arreglo. Duchamp disfrutaba escribir pequeñas frases en sus trabajos que confundieran la lógica del espectador y lo invitaran a imaginar. Otros ready-made invitan a participar en él (en “La rueda de bicicleta” se podía dar vueltas a la rueda, la que sería la primera escultura cinética). Para Duchamp es evidente la interacción que debe existir entre artista y espectador. Este es el pleno domino del ready-made.
Hay tres tipos de "ready- made":
- Puro, donde el artista toma un objeto y lo deja como está, por ejemplo el "Portabotellas” (1914).
- Rectificado, en el cual se hacen varias operaciones sobre un objeto, como en el caso de "La Fuente"(1917), en la cual se puede observar que su autor tomó un urinario, lo giró, le puso título y lo firmó.
- Asistido, como "Un ruido secreto"(1916), en el cual un objeto toma sentido cuando es asistido por otra persona que no es el artista.(7)
La aparición de los ready-made cuestiona seriamente la historia del arte y su autonomía, ya que ingresan a los museos objetos de la vida cotidiana.
Otra característica de los ready-made es su falta de forma (amorfia). Todo lo que se puede decir respecto a él es indiferente a su forma, ya que subyace en el propio objeto. La obra de arte misma niega al objeto, anula su función.
Duchamp quiso elevar a la dignidad de arte a objetos simples y cotidianos, como prueba de que el arte era, sobre todo, una actitud mental que residía en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una sala de exposiciones, se apreciaban las calidades estéticas y no las utilitarias que normalmente sugerían.(8)
En 1917, cuando su ready-made “La Fuente” es rechazado por el jurado de la Sociedad de Artistas Independientes, Duchamp defendió a R. Mutt argumentando que si él lo había hecho o no no importa ya que el artista eligió al objeto para convertirlo en arte. Sin duda alguna sería este objeto el que cambiaría, a largo plazo, la manera de percibir el arte.
lunes, 22 de septiembre de 2008
ELECCION DEL TEMA
Con respecto al capitulo dos de Humberto Eco, coloque una investigacion de lo que se hace actualmente en la museografia, ya que mi investigacion de tesis va encaminada a este campo. Siendo asi los presentes textos una recopilacion del proyecto que se entregara a final del curso.
el pimer articulo trata de la museografia y su aplicacion en una exposicion en el extranjero, donde existe una relacion con la fotografia.
ARTICULOS DE APLICACION
El dinamismo experimentado por el arte dominicano en los últimos años se manifiesta en la nueva exposición del Centro Cultural del BID titulada Adentro y Afuera: Tendencias recientes en el arte dominicano. La muestra reúne el trabajo de ocho artistas dominicanos, de los cuales cuatro viven en la República Dominicana y cuatro en el exterior.
Los artistas Polibio Díaz, Gerard Ellis, Mónica Ferreras, Radhamés Mejía, Fausto Ortiz, Inés Tolentino, Julio Valdez y Limber Vilorio se distinguen por la búsqueda permanente y un lenguaje de avanzada, a través de su creatividad, sus investigaciones, y su naturaleza experimental.
La muestra plantea preguntas alrededor de temas como originalidad, innovación, desplazamiento e identidad, entre otros, y permite dar un vistazo a algunos desarrollos recientes en el arte dominicano, y las influencias derivadas de la sinergía creada por los artistas que viven en el exterior así como el mercado artístico internacional.
Adentro y Afuera no se refiere exclusivamente al desplazamiento físico y geográfico. Sara Hermann, ex Directora del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo y actual Asesora de Artes Visuales, Centro Cultural Eduardo León Jimenes, en la ciudad de Santiago de los Caballeros, República Dominicana y autora de uno de los ensayos del catálogo de esta muestra, dice que la exposición se enfoca en estas ideas “desde una variedad de perspectivas”. Su texto está provocativamente titulad “Ocho maneras de ver. Ocho maneras de entrar y salir”.
Un total de 28 obras incluyendo pintura, dibujo, grabado, fotografía y video se presentan en esta exposición. Marianne de Tolentino, curadora y presidenta de la Asociación Dominicana de Críticos de Arte, no duda en señalar que “junto con Cuba, Puerto Rico y Haití, la República Dominicana es, en toda la región del Caribe insular, el país más fecundo en artistas modernos y contemporáneos”.
el pimer articulo trata de la museografia y su aplicacion en una exposicion en el extranjero, donde existe una relacion con la fotografia.
ARTICULOS DE APLICACION
El dinamismo experimentado por el arte dominicano en los últimos años se manifiesta en la nueva exposición del Centro Cultural del BID titulada Adentro y Afuera: Tendencias recientes en el arte dominicano. La muestra reúne el trabajo de ocho artistas dominicanos, de los cuales cuatro viven en la República Dominicana y cuatro en el exterior.
Los artistas Polibio Díaz, Gerard Ellis, Mónica Ferreras, Radhamés Mejía, Fausto Ortiz, Inés Tolentino, Julio Valdez y Limber Vilorio se distinguen por la búsqueda permanente y un lenguaje de avanzada, a través de su creatividad, sus investigaciones, y su naturaleza experimental.
La muestra plantea preguntas alrededor de temas como originalidad, innovación, desplazamiento e identidad, entre otros, y permite dar un vistazo a algunos desarrollos recientes en el arte dominicano, y las influencias derivadas de la sinergía creada por los artistas que viven en el exterior así como el mercado artístico internacional.
Adentro y Afuera no se refiere exclusivamente al desplazamiento físico y geográfico. Sara Hermann, ex Directora del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo y actual Asesora de Artes Visuales, Centro Cultural Eduardo León Jimenes, en la ciudad de Santiago de los Caballeros, República Dominicana y autora de uno de los ensayos del catálogo de esta muestra, dice que la exposición se enfoca en estas ideas “desde una variedad de perspectivas”. Su texto está provocativamente titulad “Ocho maneras de ver. Ocho maneras de entrar y salir”.
Un total de 28 obras incluyendo pintura, dibujo, grabado, fotografía y video se presentan en esta exposición. Marianne de Tolentino, curadora y presidenta de la Asociación Dominicana de Críticos de Arte, no duda en señalar que “junto con Cuba, Puerto Rico y Haití, la República Dominicana es, en toda la región del Caribe insular, el país más fecundo en artistas modernos y contemporáneos”.
INVESTIGACION DE LA MUSEOGRAFIA EN LA ACTUALIDAD
La museografia en meico esta en decadencia debido a la tecnología y los aportes que a otorgado a los encargados de este oficio."protagónico" de los encargados de diseñar las exposiciones y los museos del país, han producido un detrimento en la museografía mexicana, coincidieron especialistas reunidos para discutir sobre esta actividad.
En declaraciones a la prensa hechas al término de su intervención en "Encuentro y Diálogo de Museógrafos Mexicanos", que se realizó en el Museo Nacional de las Culturas, el especialista Jorge Angulo señaló que actualmente la museografía ha sido sustituida en muchas ocasiones por el factor económico, que busca otorgar una magnificencia a lo expuesto.
Antes, aseveró, "los dineros eran sustituidos por la imaginación, se reciclaba todo para ser realizado, y ahora todo se manda a maquilar a otro lado y mientras más cueste, es mejor para quienes lo patrocinan".
El museógrafo, quien participó en el montaje de diversas colecciones y exposiciones a lo largo de su historia, expuso además que ahora quienes se dedican a esta actividad son sólo "cuelga cuadros", que no dan un verdadero sentido de lo que quieren exponer y de lo que el autor de la obra trató de comunicar al espectador.
En la actualidad, agregó "se piensa que la museografía es primero y la obra se utiliza sólo como instrumento, cuando en realidad la museografía no debe contar, pues lo que realmente interesa es lo que se está exponiendo".
Por su parte, el museógrafo Alfonso Soto Soria, señaló que en los últimos años se ha dado un gran desarrollo de la tecnología, beneficiando la iluminación, el diseño de vitrina y la conservación de las muestras, sin embargo, esta pudiera contrarrestarse con la sensibilidad de los propios especialistas.
En los pequeños museos de provincia se utiliza mucho el color, materiales y objetos mexicanos, así como la sensibilidad de quien los elaboran, lo que ha hecho que la museografía nacional se asemeje más a la realizada en países latinoamericanos, caracterizada por la emotividad de exponer las piezas.
El encuentro inaugurado este día por el secretario técnico del Instituto Nacional de Antropologia e Historia, Cesar Moheno, y el director del Museo Nacional de las Culturas, Moisés Leonel Durán Solís, reúne además a los museógrafos Mario Vázquez, Iker Larrauri, Fernando Cámara Barbachano, Carlos Navarrete, Beatriz Barba y Jorge Agostini.
La reunión pretende establecer un espacio para generar un diálogo entre la generación de museógrafos de la segunda mitad del siglo XX, quienes establecieron los principios de esta actividad en México y miembros de nuevas generaciones. Como parte de las celebraciones del 40 aniversario del Museo Nacional de las Culturas, el encuentro concluirá con la participación de José Enrique Ortiz Lanz, coordinador de exposiciones y museos del Instituto Nacional de Antropología e Historia.
En declaraciones a la prensa hechas al término de su intervención en "Encuentro y Diálogo de Museógrafos Mexicanos", que se realizó en el Museo Nacional de las Culturas, el especialista Jorge Angulo señaló que actualmente la museografía ha sido sustituida en muchas ocasiones por el factor económico, que busca otorgar una magnificencia a lo expuesto.
Antes, aseveró, "los dineros eran sustituidos por la imaginación, se reciclaba todo para ser realizado, y ahora todo se manda a maquilar a otro lado y mientras más cueste, es mejor para quienes lo patrocinan".
El museógrafo, quien participó en el montaje de diversas colecciones y exposiciones a lo largo de su historia, expuso además que ahora quienes se dedican a esta actividad son sólo "cuelga cuadros", que no dan un verdadero sentido de lo que quieren exponer y de lo que el autor de la obra trató de comunicar al espectador.
En la actualidad, agregó "se piensa que la museografía es primero y la obra se utiliza sólo como instrumento, cuando en realidad la museografía no debe contar, pues lo que realmente interesa es lo que se está exponiendo".
Por su parte, el museógrafo Alfonso Soto Soria, señaló que en los últimos años se ha dado un gran desarrollo de la tecnología, beneficiando la iluminación, el diseño de vitrina y la conservación de las muestras, sin embargo, esta pudiera contrarrestarse con la sensibilidad de los propios especialistas.
En los pequeños museos de provincia se utiliza mucho el color, materiales y objetos mexicanos, así como la sensibilidad de quien los elaboran, lo que ha hecho que la museografía nacional se asemeje más a la realizada en países latinoamericanos, caracterizada por la emotividad de exponer las piezas.
El encuentro inaugurado este día por el secretario técnico del Instituto Nacional de Antropologia e Historia, Cesar Moheno, y el director del Museo Nacional de las Culturas, Moisés Leonel Durán Solís, reúne además a los museógrafos Mario Vázquez, Iker Larrauri, Fernando Cámara Barbachano, Carlos Navarrete, Beatriz Barba y Jorge Agostini.
La reunión pretende establecer un espacio para generar un diálogo entre la generación de museógrafos de la segunda mitad del siglo XX, quienes establecieron los principios de esta actividad en México y miembros de nuevas generaciones. Como parte de las celebraciones del 40 aniversario del Museo Nacional de las Culturas, el encuentro concluirá con la participación de José Enrique Ortiz Lanz, coordinador de exposiciones y museos del Instituto Nacional de Antropología e Historia.
martes, 9 de septiembre de 2008
TRES DISCIPLINAS DEL ARTE
MUSEOGRAFIA
La museografía es el conjunto de técnicas y prácticas relativas al funcionamiento de un museo . Agrupa las técnicas de concepción y realización de una exposición, sea temporal o permanente. La disposición física de una exposición debe tener en cuenta tanto las exigencias de conservación preventiva de los objetos su la puesta en valor de en vistas a su presentación y su comprensión.
La museografía se relaciona con los oficios técnicos o científicos (arquitectura, restauracion de obras de arte...) pero también artísticos (escenografia, iluminación...).
El espacio museográfico puede ser definido como un espacio de comunicación, que expresa de una forma sensible el programa científico del conservador del museo o del curador de una exposición temporal.
¿POR QUE ES IMPORTANTE LA MUSEOGRAFIA?
porque es el medio por el cual se da a conocer el arte, y lo considero importante ya que en la actualidad no se da la debida difusion al arte y en ocasiones se vuelve tedioso. Considero que es la clave para un nuevo enfoque en el arte.
DIBUJO
El dibujo es un arte visual en el que se representa algo en un medio bidimensional con el uso de la mano. En su mayoría, el papel es el soporte y el lápiz el instrumento, aunque, en la actualidad, el ordenador es también un medio muy usado para realizar este tipo de arte. Es entonces cuando hablamos de dibujo digital.
El dibujo, además de constituir un tipo de arte por si mismo, es el fundamento de cualquier trabajo artístico. Cualquier pintura, escultura o grabado acostumbra a partir de un esbozo hecho en lápiz.
Por que es un medio de comunicación el cual expresa emociones encontradas en el hábitat y costumbres de la época, que desarrolla una idea o esquematiza una cosa u objeto; desarrollando la filosofía del hombre (emociones, sentimientos, valores reales e irreales).
¿Por que es importante el dibujo?
Se puede afirmar que es un lenguaje por el cual se transmiten ideas mediante dibujos. Es la expresión visual más grande de las artes visuales.
Ha servido como una fuente de información sobre los sucesos políticos y sociales.
Es la esecia pura de la comunicación, creado a partir del contexto individual, haciéndolo multifacético. Puede considerarse una narrativa crítica y visceral, breve directa y concisa.
GRABADO.
El grabado es el resultado de una técnica de impresion que consiste en transferir una imagen tinta en las incisiones, que después se transfiere por presión a otra superficie como papel o tela. dibujada con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos en una superficie rígida llamada "matriz" con la finalidad de alojar
La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente planchas de cobre o alumnio pero también se usan otros materiales como madera, piedra o incluso placas acrilicas, dibujo y en ella se realiza por medio de las lineas generalmente, excavadas en la superfiie de la plancha. Existen varias tecnicas para grabar el dibujo.
La palabra "grabar" es de etimología alemana "graben" significa cavar. Entró en el castellano por medio del termino francés "graver". El significado de grabar es trazar en una materia, marcas, letras o signos con una pieza incisiva como el buril.
¿POR QUE ES IMPORTANTE el GRABADO?Porque a mi punto de vista es un medio que contiene un proceso artistico, que permite un contacto directo entre la materia,
Fue de los medios que sirvieron como medio de comunicación, y aunque costoso y difícil logro su cometido, (el cual prosiguió su evolución).
Es a mi punto de vista uno de los medios visuales que aun con llevan en trato directo con el material donde se realiza; ya que si no hay comprensión del mismo, difícilmente se obtendrá en resultado de calidad.
FOTOGRAFIA.
La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basándose en el principio de la camara obscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace algunos años exclusivamente la pelicula sensible mientras que en la actualidad se emplean, casi siempre, sensores CCD y CMOS y memorias digitales; es la nueva fotografia digital.
El término fotografía procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir con la luz". Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más aún determinar con exactitud quién haya sido el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase preparatoria.
¿Por que es importante la fotografia?
La Fotografía como medio de comunicacion es feaciente y en particular, su proceso de elaboracion va desde lo artistico a la produccion masiva sin perder la intension.
QUE ES UNA TESIS DOCTORAL Y PARA QUE SIRVE
El capítulo marca que una tesis de doctorado es un trabajo mecanografiado, con una extensión entre 100 y 400 páginas donde se abordan problemas referentes a los estudios de la misma. Menciona la legislación italiana donde los estudiantes presentan la tesis a un tribunal de doctorado (profesor con quien “se hace” la tesis) después de haber presentado los exámenes prescritos; el doctorado escucha la exposición del ponente, surge de ella una discusión en la que todos toman parte y el ponente sostiene sus opiniones por escrito, donde nace el juicio del tribunal. Otro aspecto a promediar es por el cálculo del total de las notas obtenidas en los exámenes, este puede ir de un mínimo de 66 a un máximo de 110.
En las universidades mencionadas en el texto existe una sigla anglosajona de uso casi internacional, PhD (philosophy doctor, doctor en filosofía = doctor en humanidades) la cual es de nuestro interés debido a las materias que tratamos en las carreras de artes visuales, estas siglas tienen como fin la actividad académica.
Este tipo de tesis constituyen un trabajo original de investigación donde es aspirante ha de demostrar sus capacidades para hacer evolucionar su disciplina. Este tipo de modalidad requiere de una basta dedicación ya que esta es original y necesita un cotejo con la información de otros investigadores. Cabe mencionar que estos descubrimientos no necesitan ser tan revolucionarios como ciertas teorías ya conocidas; estas pueden ser modestas que causen una reorganización y relectura de estudios precedentes.
Se mencionan tesis de compilación donde el estudiante se limita a revisar críticamente la mayor parte de la “literatura existente” donde expone con claridad y ha interrelacionado los diversos puntos de vista, realizando una panorámica informativa e inteligente, que puede ser utilizada por un especialista del ramo que no halla estudiado con profundidad el problema en particular.
Por otra parte, la tesis de investigación, es siempre mas larga y fatigosa (sin excluir a la tesis de compilación que también puede tener estos elementos) ya que el investigador debe aclarar sus ideas y estar bien documentado.
De tal modo que la elección de uno u otro método esta íntimamente ligado a la madurez y capacidad del trabajo del aspirante (aunque existen factores económicos como la compra de material que influyen en la decisión).
El autor manifiesta que un método para hacer la tesis puede ser:
1. Localizar un tema concreto
2. Recopilar documentos sobre dicho tema
3. Poner en orden dichos documentos
4. Volver a examinar el tema partiendo de cero a la luz de los documentos recogidos
5. Dar una forma orgánica a todas las reflexiones precedentes
6. Hacerlo de modo que quien la lea comprenda lo que se quiere decir y pueda, si así lo desea, acudir a los mismos documentos para reconsiderar el tema por su cuenta.
Y de modo personal:
Poner en orden las ideas propias y ordenar los datos (construir un objeto que sirva a los demás). De tal modo que el tema no es tan importante; si no mas bien el modo en que se realiza el trabajo y la experiencia que de el se extrae.
El autor muestra que no hay conocimiento estúpido ya que si se trabaja bien se sacan conclusiones útiles, como ejemplo cita a Marx el cual hizo su tesis a través de los filósofos griegos Epicuro y Demócrito, obteniendo una reflexión donde reconsidero los conceptos existentes aplicándolos a su contexto y proponiéndolos a la actualidad.
Por último evidencía como posibles dificultades para la elaboración de la tesis que el aspirante la base en un tema impuesto por el profesor, o donde el doctorado se encuentra falto de interés y aunque existan estos casos, solo los menciona y nos propone 4 reglas para la elección del tema:
1. Que el tema corresponda a los intereses del doctorado ;
2. Que la fuente a la que se recurra sean asequibles , es decir, al alcance físico del doctorado;
3. Que las fuentes a las que se recurra sean manejables , es decir, al alcance cultural del doctorado;
4. Que el cuadro metodológico de la investigación esté al alcance de la experiencia del doctorado.
De este modo concluye haciéndonos entender que la tesis no se puede llevar a cabo si no se fijan cosas tan sencillas como el planteamiento del problema o la asignación al profesor adecuado. O bien que se tenga como concepto de tesis un requisito para terminar la licenciatura.
En las universidades mencionadas en el texto existe una sigla anglosajona de uso casi internacional, PhD (philosophy doctor, doctor en filosofía = doctor en humanidades) la cual es de nuestro interés debido a las materias que tratamos en las carreras de artes visuales, estas siglas tienen como fin la actividad académica.
Este tipo de tesis constituyen un trabajo original de investigación donde es aspirante ha de demostrar sus capacidades para hacer evolucionar su disciplina. Este tipo de modalidad requiere de una basta dedicación ya que esta es original y necesita un cotejo con la información de otros investigadores. Cabe mencionar que estos descubrimientos no necesitan ser tan revolucionarios como ciertas teorías ya conocidas; estas pueden ser modestas que causen una reorganización y relectura de estudios precedentes.
Se mencionan tesis de compilación donde el estudiante se limita a revisar críticamente la mayor parte de la “literatura existente” donde expone con claridad y ha interrelacionado los diversos puntos de vista, realizando una panorámica informativa e inteligente, que puede ser utilizada por un especialista del ramo que no halla estudiado con profundidad el problema en particular.
Por otra parte, la tesis de investigación, es siempre mas larga y fatigosa (sin excluir a la tesis de compilación que también puede tener estos elementos) ya que el investigador debe aclarar sus ideas y estar bien documentado.
De tal modo que la elección de uno u otro método esta íntimamente ligado a la madurez y capacidad del trabajo del aspirante (aunque existen factores económicos como la compra de material que influyen en la decisión).
El autor manifiesta que un método para hacer la tesis puede ser:
1. Localizar un tema concreto
2. Recopilar documentos sobre dicho tema
3. Poner en orden dichos documentos
4. Volver a examinar el tema partiendo de cero a la luz de los documentos recogidos
5. Dar una forma orgánica a todas las reflexiones precedentes
6. Hacerlo de modo que quien la lea comprenda lo que se quiere decir y pueda, si así lo desea, acudir a los mismos documentos para reconsiderar el tema por su cuenta.
Y de modo personal:
Poner en orden las ideas propias y ordenar los datos (construir un objeto que sirva a los demás). De tal modo que el tema no es tan importante; si no mas bien el modo en que se realiza el trabajo y la experiencia que de el se extrae.
El autor muestra que no hay conocimiento estúpido ya que si se trabaja bien se sacan conclusiones útiles, como ejemplo cita a Marx el cual hizo su tesis a través de los filósofos griegos Epicuro y Demócrito, obteniendo una reflexión donde reconsidero los conceptos existentes aplicándolos a su contexto y proponiéndolos a la actualidad.
Por último evidencía como posibles dificultades para la elaboración de la tesis que el aspirante la base en un tema impuesto por el profesor, o donde el doctorado se encuentra falto de interés y aunque existan estos casos, solo los menciona y nos propone 4 reglas para la elección del tema:
1. Que el tema corresponda a los intereses del doctorado ;
2. Que la fuente a la que se recurra sean asequibles , es decir, al alcance físico del doctorado;
3. Que las fuentes a las que se recurra sean manejables , es decir, al alcance cultural del doctorado;
4. Que el cuadro metodológico de la investigación esté al alcance de la experiencia del doctorado.
De este modo concluye haciéndonos entender que la tesis no se puede llevar a cabo si no se fijan cosas tan sencillas como el planteamiento del problema o la asignación al profesor adecuado. O bien que se tenga como concepto de tesis un requisito para terminar la licenciatura.
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