METODO DE INVESTIGACION

DEDUCTIVO
La deducción va de lo general a lo particular.
lo general: el tiempo definido de (1915-1922) con el movimiento Dadaista. y artistas como Duchamp, Saudek, etc.
lo particular; la investigacion de todo lo anterior aplicado a la museografia sin dejar de lado la produccion plastica

INDICE TENTATIVO

1.-MOVIMIENTO DADA (1915-1922.

1.1:EL DADAISMO COMO PRODUCTO DE LA GUERRA.
1.2:LA IMPORTANCIA DE LOS READY-MADES, (NUEVO CONCEPTO PARA LOS MUSEOS)
1.3:EL FOTOMONTAJE (BREVE RESEÑA)

2.-MARCO REFERENCIAL VISUAL

2.1:DUCHAMP
2.2: SAUDEK

3.-PROPUESTA

3.1. LA MUSEOGRAFIA COMO MEDIO DE COMUNICACION ENTRE EL ARTISTA Y EL ESPECTADOR
3.2: EL ARTISTA Y SU ESPACIO DE EXPOSICION
3.3: OBRA PLASTICA ( FOTOGRAFIA Y GRABADO )

BIBLIOGRAFIAS

DIBUJO:

La escena inmovil: Teoria y clinica psicoanalitica del dibujo
Edit. Buenos Aires.
Lewin, Raul E.

La enseñanza del dibujo apartir del arte.
edit. Paidos
Wilson , Blenz

¡Cambiamos por favor! diario del taller de dibujo de Gilberto Aceves Navarro
MArtinez, Fernandez Maritere
edit. C.N.A.

Leopoldo Mendez y su tiempo: Coleccion Carlos Monsivais
MUNAL

Teoria del dibujo su sociedad y su estetica
Juan, Acha
edit. Mexico, Coyoacan

MUSEOGRAFIA:

La mirada inquieta: educacion, arte y museografia
Ricardo, Huerta.
edit. Valencia Universidad

Museologia y Museografia
Alonso,Fernandez Luis
edit. Barcelona

Los conocimientos tecnicos: museos, arquitectura y arte
Juan, Carlos Rico.
edit. Madrid Silex

Los museos y sus visitantes
Greenhill, Eilean
edit. Madrid Trea

Posibiliodades y limites de la comunicacion museografica
Zavala, Lauro
edit.UNAM

FOTOGRAFIA

El bosque erotizado
Ahumada, Alicia
edit. Gobierno del D.F.

Cielo y tierra
Vrtiz, Jorge
edit. Artes de Mexico

La iluminacion en la fotografia
CHild, JHon
edit. Anaya Multimedia, Madrid

Estetica de la fotografia
Soulages, Francois
edit. Buenos Aires: la Marca

El peso de la representacion : ensayo sobre fotografia e historia
Tagg, John
edit. Barcelona, G. Gili

Arder en deseos: La concepcion de la fotografia
Batchen, Geofrey

DEFINICON DEL PROBLEMA.

DEFINICON DEL PROBLEMA.

¿Qué?
El problema a tratar será una investigación de fotografía, grabado y museografía la cual abarcara una propuesta de cómo deben interactuar los espectadores con la obra.
¿Cómo?
PRACTICO.
Se realizan grabados y fotografía en distintos formatos y materiales. En grabado se están utilizando materiales como el metal, madera y acrílico, con la finalidad de que el material se integre con la propuesta en dibujo; y con lo que respecta a fotografía se están llevando a cabo trabajos en papel de algodón con distintas emulsiones debido a que estos procesos no son de gran conocimiento al publico.
TEORICO.
Se realiza una investigación acerca de los procesos sus pros y contra , acerca del material en el que se llevan a cabo, para consolidar los argumentos del por que me refiero a estos en especifico.
¿Dónde y cuando?
Se delimitara el tema en un tiempo y espacio referente al (movimiento Dada)como marco se utilizaran las fechas de 1915 y 1922 donde se realizara una investigación de Duchamp y Tzara para respaldar el concepto de museo que estoy manejando a partir d e entonces.
¿Cómo?
Duchamp y Tzara nos brindaran la información para darle una continuidad al trabajo y el inicio será a partir de las fechas de 1915 y 1922 , además de incluir al final información adicional del grabado y la fotografía que complementen en una cuestión de investigación del material, (buscar alguna relación entre la época y las cuestiones que manejaban y a lo que se enfrentan estos materiales)


¿Para que ?
La propuesta va enfocada a una investigación de los materiales de la fotografía y el grabado, además de su contenido visual a crear una museografía, que reuna al espectador con la obra de arte.
Esto tendrá el objeto de que el espectador interactue y comprenda de forma completa la obra expuesta, sin permitir que la museografía opaque a la misma; ya que esta será solo el medio de comunicación entre el y la misma.
La museografía se encontrara respaldada por elementos actuales, retomados de ejemplos que ya se han expuesto en la actualidad y serán de gran ayuda para reforzar la idea.

¿Por qué?
Con respecto a lo que se ha dicho del tema en la actualidad, varios autores mencionado que con la aparición del arte objeto o instalación, los museos se han visto limitados con respecto a su interaccion, ya que ahogan su vista ante el publico.

ORIGEN O IMPORTANCIA

El tema de la museografia se encuentra abandonado en el sentido de que el arte actual ya no se ajusta a las necesidades del mismo, así que es conveniente realizar una investigación que fundamente las causas por las cuales es necesario reordenar elementos tan básicos como el del espacio, y la atmosfera donde se exponen las obras.
Además de que se a olvidado el hecho de que estos espacios están creados para la comprensión de la misma y ya han perdido esta función , ya sea por la pieza que se expone o por que no encuentra el modo de lograr esta unión.

UN ARTE MUY NORTEAMERICANO

Con respecto a esta exposicion no tengo mucho que decir, sus argumentos me parecieron bastante absurdos, ya que me parecen nada origanales, en particular por que pretenden rescatar su cultura y lo unico que muestran son pasajes de sus calles, tan tristes e industrializadas.

A mi punto de vista lo unico rescatable es aquella propuesta donde un artista maneja custiones de persepcion y crea empalmes, sin embargo no me atrapo lo suficiente como para recordar su nombre.

En conclusion no la recomiendo.

INFLUENCIAS

JAN SAUDEK

VIDA Y OBRA DE JEAN SAUDEK

Nació en Praga, en 1935, ciudad en la que vive actualmente. La obra de Jean Saudek está marcada sin duda por su perturbadora infancia. Estudió en la Escuela de Fotografía Industrial de Praga, entre 1950 y 1952, y seguidamente ejerció numerosos y varipintos oficios. Empezó a hacer fotos en su época de estudiante, y a pesar de la incipiente singularidad de su mirada se dedicó a un tipo de fotografía que pretendía reflejar la realidad cotidiana. Sus primeros trabajos personales fueron inicialmente fotografías en blanco y negro, donde comenzaba a adivinarse el estilo que lo haría famoso; cuerpos desnudos, un erotismo descarnado y en ocasiones obsceno, y un afán por hacer que sus instantáneas sugirieran historias al observarlas, que evocaran continuidad más allá de lo que reflejaba la imágen estática.
A partir de cierto momento se dedicó a colorear sus fotografías. Hizo hincapié en las texturas y en el ambiente de los decorados que rodeaban a los personajes de sus fotos. Había algo turbador en muchas de sus obras, un efecto ruinoso que las envolvía de una violencia y una expresividad incomparables. No hay que olvidar que vivía en un país comunista, y quizá lo opresivo de su propia vida le empujó a idear escenarios cerrados, un constante huis clos que ahogaba a sus actores. Sus temas se repitieron a lo largo de las décadas siguientes: fotografías sobre la sexualidad y la relación hombre-mujer, sobre las mujeres y su comportamiento erótico-afectivo, la edad madura y la juventud que se entrelazaban en sus escenas de un modo evidente, lleno de simbolismo, y sus originales desnudos. Fue fotógrafo del cuerpo femenino. Retrató con una belleza inusitada, a pesar de lo siniestro de algunas de sus escenas, la desnudez femenina, sin importarle la perfección de sus formas.
A partir de cierto momento se inclinó por una fotografías de varios personajes, con antagonismos manifiestos con los que pretendió dotar de mayor fuerza a sus imágenes. Intercaló sin pudor fotografías toscas, en ocasiones hasta de una sexualidad vulgar, primitiva, empeñado en llevar hasta el extremo su tendencia a provocar, así como escenas humorísticas en las que aparecía como un actor más.
Destacan también sus obras dobles, en las que fotografíaba escenas de mujeres vestidas y luego desnudas, y las series de personajes fijados en distintas épocas de sus vida.
Su lenguaje directo y lleno de sensualidad fue una de las razones de que se convirtiera en uno de los primeros fotógrafos checos en ser conocido en occidente, lo que le provocó percances con las autoridades comunistas de su país durante años. Lo que es indiscutible es la originalidad de su propuesta, su afán por retratar de un modo distinto, la extrema radicalidad de sus planteamientos que le concedieron con una rapidez inusitada un lugar privilegiado en la fotografía del siglo XX.
Su lenguaje directo y lleno de sensualidad fue una de las razones de que se convirtiera en uno de los primeros fotógrafos checos en ser conocido en occidente, lo que le provocó percances con las autoridades comunistas de su país durante años. Lo que es indiscutible es la originalidad de su propuesta, su afán por retratar de un modo distinto, la extrema radicalidad de sus planteamientos que le concedieron con una rapidez inusitada un lugar privilegiado en la fotografía del siglo XX.

MARCEL DUCHAMP
Ready-Made
Un ready-made es un objeto sacado de su contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte, construido para forzar al espectador a pensar.
Marcel Duchamp hizo su primer ready-made en 1913, “La rueda de bicicleta”, que consistía en un banquito de cocina y sobre él una rueda de bicicleta invertida, apoyada sobre su base de metal. En un principio, Duchamp no pretendía mostrar estas obras al público. Años después cambiaría de opinión. Él mismo escribió una pequeña explicación para la mejor comprensión de los ready-mades.
“… Tan temprano como 1913, Duchamp tuvo la feliz idea de sujetar una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y verla girar. Unos meses después, compró una reproducción barata de un paisaje nocturno invernal, que llamó “Farmacia”, luego de agregarle dos puntos de colores (uno amarillo y otro rojo) en el horizonte.
En Nueva York, en 1915, Duchamp compró en una ferretería una pala para nieve, en la que escribió “In advance of the broken arm” (en avance del brazo quebrado). Fue alrededor de esa época cuando le vino a la mente el nombre ready-made para designar este tipo de obras.
Duchamp siempre quiso dejar en claro que la elección de estas obras nunca fue dictada por deleite estético. La elección estaba basada en una reacción de indiferencia visual con una total ausencia de buen o mal gusto. De hecho, una completa anestesia.
Una característica importante de los ready-made fue la pequeña frase inscrita ocasionalmente en cada obra. La oración en vez de describir el objeto como un título pretendía llevar la mente del espectador hacia otras regiones, más verbales. A veces añadiría un detalle gráfico de presentación que, para satisfacer su intenso deseo de aliteración (repetición de una cierta letra), sería llamado ready-made-aided (“ya-hecho-ayudado”).
En otro tiempo, Duchamp, queriendo exponer la antimonía básica entre arte y ready-mades, imaginó un ready-made recíproco: usar un Rembrandt como una tabla de planchado.
Pronto se dio cuenta del peligro de repetir indiscriminadamente esta forma de expresión y decidió limitar la producción de ready-mades a un pequeño número anual. Estaba consciente que para el espectador, aun más que para el artista, el arte es una droga formadora de hábitos y quiso proteger sus ready-mades contra semejante contaminación.
Otro aspecto del ready-made es su falta de singularidad… la réplica de un ready-made entregando el mismo mensaje, de hecho casi todos los ready-mades existentes hoy no son un original en el sentido convencional.
Duchamp hace un comentario final a este círculo vicioso: Ya que los tubos de pintura usados por un artista son manufacturados, productos ready-made, debemos concluir que todas las pinturas en el mundo con ready-made-aided…” (6)
Marcel Duchamp creó varios ready-made, de los que actualmente sólo existen alrededor de una veintena. Éstos son una colección de objetos distintos, pero unidos por las mismas ideas. Los ready-made eran elementos creados para provocar, productos de un esfuerzo consciente para quebrar con cualquier tradición artística, para crear un nuevo estilo de arte: uno que atraiga a la mente y no a la vista, que estimule al espectador a participar y pensar.
Duchamp pensó: para romper con todos los valores tradicionales del arte, debemos empezar por lo elemental. Así, debemos deshacernos de los dos principios más básicos del arte: la belleza y la artesanía. Los ready-mades al fin respondían a su pregunta ¿Puede hacer uno obras de arte que no sean arte?.
La técnica consistía básicamente en sustituir la manualidad del artista durante el proceso de hacer arte. Así, en vez de un ver objeto creado por el artista, veríamos uno ya fabricado. También habría de sustituir la irracionalidad y el proceso aleatorio por un diseño consciente. Ya no importa el genio del artista, sino su don.
Los ready-made incluían distintos tipos de trabajos que pasaban por objetos prefabricados, ensamblajes, imágenes alteradas e instalaciones. Generalmente los objetos eran comprados y dispuestos en la obra sin ningún mayor arreglo. Duchamp disfrutaba escribir pequeñas frases en sus trabajos que confundieran la lógica del espectador y lo invitaran a imaginar. Otros ready-made invitan a participar en él (en “La rueda de bicicleta” se podía dar vueltas a la rueda, la que sería la primera escultura cinética). Para Duchamp es evidente la interacción que debe existir entre artista y espectador. Este es el pleno domino del ready-made.
Hay tres tipos de "ready- made":
- Puro, donde el artista toma un objeto y lo deja como está, por ejemplo el "Portabotellas” (1914).
- Rectificado, en el cual se hacen varias operaciones sobre un objeto, como en el caso de "La Fuente"(1917), en la cual se puede observar que su autor tomó un urinario, lo giró, le puso título y lo firmó.
- Asistido, como "Un ruido secreto"(1916), en el cual un objeto toma sentido cuando es asistido por otra persona que no es el artista.(7)
La aparición de los ready-made cuestiona seriamente la historia del arte y su autonomía, ya que ingresan a los museos objetos de la vida cotidiana.
Otra característica de los ready-made es su falta de forma (amorfia). Todo lo que se puede decir respecto a él es indiferente a su forma, ya que subyace en el propio objeto. La obra de arte misma niega al objeto, anula su función.
Duchamp quiso elevar a la dignidad de arte a objetos simples y cotidianos, como prueba de que el arte era, sobre todo, una actitud mental que residía en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una sala de exposiciones, se apreciaban las calidades estéticas y no las utilitarias que normalmente sugerían.(8)
En 1917, cuando su ready-made “La Fuente” es rechazado por el jurado de la Sociedad de Artistas Independientes, Duchamp defendió a R. Mutt argumentando que si él lo había hecho o no no importa ya que el artista eligió al objeto para convertirlo en arte. Sin duda alguna sería este objeto el que cambiaría, a largo plazo, la manera de percibir el arte.

ELECCION DEL TEMA

Con respecto al capitulo dos de Humberto Eco, coloque una investigacion de lo que se hace actualmente en la museografia, ya que mi investigacion de tesis va encaminada a este campo. Siendo asi los presentes textos una recopilacion del proyecto que se entregara a final del curso.
el pimer articulo trata de la museografia y su aplicacion en una exposicion en el extranjero, donde existe una relacion con la fotografia.


ARTICULOS DE APLICACION

El dinamismo experimentado por el arte dominicano en los últimos años se manifiesta en la nueva exposición del Centro Cultural del BID titulada Adentro y Afuera: Tendencias recientes en el arte dominicano. La muestra reúne el trabajo de ocho artistas dominicanos, de los cuales cuatro viven en la República Dominicana y cuatro en el exterior.

Los artistas Polibio Díaz, Gerard Ellis, Mónica Ferreras, Radhamés Mejía, Fausto Ortiz, Inés Tolentino, Julio Valdez y Limber Vilorio se distinguen por la búsqueda permanente y un lenguaje de avanzada, a través de su creatividad, sus investigaciones, y su naturaleza experimental.

La muestra plantea preguntas alrededor de temas como originalidad, innovación, desplazamiento e identidad, entre otros, y permite dar un vistazo a algunos desarrollos recientes en el arte dominicano, y las influencias derivadas de la sinergía creada por los artistas que viven en el exterior así como el mercado artístico internacional.

Adentro y Afuera no se refiere exclusivamente al desplazamiento físico y geográfico. Sara Hermann, ex Directora del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo y actual Asesora de Artes Visuales, Centro Cultural Eduardo León Jimenes, en la ciudad de Santiago de los Caballeros, República Dominicana y autora de uno de los ensayos del catálogo de esta muestra, dice que la exposición se enfoca en estas ideas “desde una variedad de perspectivas”. Su texto está provocativamente titulad “Ocho maneras de ver. Ocho maneras de entrar y salir”.

Un total de 28 obras incluyendo pintura, dibujo, grabado, fotografía y video se presentan en esta exposición. Marianne de Tolentino, curadora y presidenta de la Asociación Dominicana de Críticos de Arte, no duda en señalar que “junto con Cuba, Puerto Rico y Haití, la República Dominicana es, en toda la región del Caribe insular, el país más fecundo en artistas modernos y contemporáneos”.